Art Collective
[Music & Arts]
Por Tlatoa Febrero 2017
Alexandara Germán
Entrevista
Alexandra Germán es una artista visual que crea mundos fantásticos a través de distintas disciplinas como la animación, el dibujo y la fotografía, con motivo de la quinta edición de Salón ACME en la que estará presentando su obra, indagamos en su trabajo y conversamos con ella.
Vemos que tu trabajo destaca mucho el tema de las nubes, ¿qué sentido tienen para ti?
Es algo que empecé a trabajar en el 2011 en un trabajo para la maestría llamado “El viento del sol”, la idea era desfragmentar la obra e investigar cada parte representada en la fotografía, una de las parte más importantes era el cielo, entonces a partir de ahí me puse a investigar porque era tan importante para mi representar el cielo en este proyecto, investigando me fui encontrando con pinturas del romanticismo que hacían alusión a la nubes y al estudiarlas me quede fascinada con que había alguien que desde entonces había estado investigando cómo se formaban y cuáles eran sus características. También encontré sobre esta corriente que, a parte de un estudio casi científico, atribuían características emotivas a las nubes y que era algo más que un simple elemento que compone un paisaje tradicional. Al encontrar que para alguien significaba tantas cosas quise buscar en otras disciplinas quienes habían representado estas formas, en literatura como los escritores se referían a las nubes y en fotografía quienes habían hecho los primeros acercamientos.
CUMULONIMBUS DE LA SERIE METAMORFOSIS DE UNA NUBE
En tu obra tratas muchos temas en constante dinamismo, incluso la cuestión de las nubes son dinámicas, sabemos que haces video también el cual incluye ese proceso dinámico porque nos resultó interesante querer entender ¿porque plasmas de manera estática algo dinámico? ¿Cómo lo percibes tú?
Pues yo creo que la fotografía aunque sea algo estático podemos ver un montón de movimiento, con esto me acuerdo de una entrevista que le hicieron a Carlos Jurado donde decía “para mí lo más difícil de fotografiar han sido las nubes” y pues si, realmente cuando necesitas exposiciones largas es más difícil fotografiar lo que realmente estás viendo, pues el resultado final es una cosa completamente distinta a lo que viste en ese momento, y por esa razón me interesó buscar en diferentes disciplinas como plasmar esta cosa que todo el tiempo se está moviendo. El primer acercamiento fue en maquetas, construí las nubes con algodón , hilo y las ilumine, todo para de algún manera mantenerlas ahí estáticas, después, con la fotografía digital este trabajo resulta más sencillo, al final la intención es buscar distintas disciplinas para poder captar mejor el mismo tema.
CUMULUS DE LA SERIE METAMORFOSIS DE UNA NUBE
¿Porque detener un elemento en transformación? ¿porque que volverlo estático?
Siempre vemos el cielo y es algo a lo que estamos habituados, he pensado mucho ¿a partir de donde empieza el cielo? Levantamos la mirada y sabemos que ahí está, pero ¿a partir de donde empieza? Esa lejanía nos hace sentir algo inalcanzable, y que no podemos retenerlo todo ni tocarlo, así, la fotografía me ayuda de alguna manera a tener algo que no es tangible para mi. Lo que uno no puede habitar. Para mi es aterrizarlo hacia algo más material.
FRAGIL II DE LA SERIE EL VIENTO Y EL SOL
Encontramos, en tu obra, recurrente la forma del cuento en tu discurso ¿cómo es la influencia de este en tu obra? Y ¿qué elementos nos hablan de ello?
En las primeras series que hice, en la que te comentaba al principio, “El viento del sol”, una de las referencias principales eran los cuentos justamente. Durante toda mi vida me ha encantado leer cuentos, mi mamá me leía cuentos desde pequeña, entonces de alguna manera inconsciente los cuentos los podía ver reflejados en mis fotos. Habían algunos personajes que eran de pronto parecidos a cierto cuento o la atmósfera o lo que estaba sucediendo, y no solamente cuentos, también leyendas, poesía y en general toda la literatura.
SOÑE DE LA SERIE EL VIENTO Y EL SOL
Continuando con esta línea ¿cómo consideras que se crea la poesía en tus obras?
Considero que la poesía es una forma muy compleja y no podría definir propiamente que es, sin embargo en términos de poesía como una forma más literaria podría decir que me gusta mucho asociar fragmentos de texto con las imágenes, de alguna manera ver que a pesar de que en las palabras no existen las imágenes como tal, es decir no vemos por medio de los ojos, en la cabeza creamos las imágenes y construimos lo que vamos leyendo, por lo que mi trabajo visual es una forma de plasmar la sustancia o aquello que generan las palabras.
OTOÑO DE LA SERIE EL VIENTO Y EL SOL
VARIANTES
Que narra variantes?
“Variantes” es una colección de fragmentos, me gusta pensarlo que se divide en dos partes, fragmentos de pinturas y fragmentos de novelas. Es una colección compuesta únicamente de cielos donde es importante el espacio donde están puestos, la iluminación que tienen, y el registro de cómo se perciben estos cuadros, un poco sin que importe el autor o la época, solamente la visión de cómo se representó el cielo y como puedo yo construir esta obra por medio de sus propias visiones.
También tiene un discurso propio, de cómo cada una genera sus propias reacciones, y el hecho de que sea variante 1, 2, o 3 indica que todas mantienen la misma sustancia, y jugando un poco con la misma fotografía logro generar variante numero 2 o así sucesivamente. Y en la parte literaria es un poco lo mismo, buscar dentro de la literatura como autores se referían a las nubes y hacer una colección de frases o párrafos que escribieron acerca del cielo, es un proyecto muy grande, tengo una colección muy grande que seguiré poniendo en orden.
¿Cuales son tus mayores influencias?
Me gusta mucho en la literatura Alessandro Baricco, en la pintura me gusta Gerhard Richter, al igual que muchas cosas que no tienen tanto que ver con lo que hago como Taryn Simon por cómo presenta su trabajo, Hiroshi Sugimoto, Robert Wilson y bueno, un montón más pero principalmente esos.
NIKKO DE LA SERIE VISITAS DE JAPON
FUJIKAWAGUCHIKO DE LA SERIE VISITAS DE JAPON
¿Cómo influencian tu obra?
De distintas maneras, Sou Fujimoto podría decir que en la cuestión contemplativa, pues al menos creo que hacer una foto es algo más allá de solo tomarla, también es darse el tiempo de contemplar lo que estás fotografiando y observarlo. Smithson la manera en la que ilumina todos sus escenarios y Alessandro Baricco, el escritor, tiene unas imágenes maravillosas, ideas muy bonitas. Así intentó absorber un poco de cada uno de ellos.
¿Qué podemos esperar de Alexandra Germán para salón ACME?
Presentaré una serie llamada “Variantes”, creo que es lo más abstracto que hasta ahora he hecho. Es un proyecto que empecé el año pasado, por lo que es bastante reciente, mi idea es continuar desarrollándolo porque creo que es un proyecto mucho más grande y ambicioso, así que por lo menos trabajaré en él este año y en el tema de las nubes
https://www.facebook.com/alexandragerman.me
Por Erick conceka Septiembre 2016
FOTOGRAFIA
5 artistas que debes seguir después de ZONA MACO FOTO 2016
El pasado fin de semana se realizó la segunda edición de la feria de fotografía ZONA MACO FOTO 2016 a la par del Salón del Anticuario con piezas únicas de todas partes del mundo. En esta ocasión Zona Maco Foto trajo a más de 20 galerías nacionales e internacionales mostrando lo más destacado en fotografía contemporánea así como piezas de grandes maestros consagrados.
Zona Maco Foto en un esfuerzo por impulsar el coleccionismo fotográfico implemento una nueva estrategia para señalizar las piezas que se encuentran a la venta en un precio más al alcance de los nuevos coleccionistas y personas que desean
empezar en el coleccionismo fotográfico. Esto nos da una noción de en que momento se encuentra la escena fotográfica global, donde cada vez más coleccionistas se interesan por las nuevas propuestas y trabajo de nuevos y talentosos artistas del medio fotográfico.
A través de varios pasillos y con la integración del Salón del Anticuario en donde pudimos también encontrar piezas de lo más inverosímil, recorrimos y visitamos cada una de las galerías y aquí les mostramos lo que más llamó nuestra atención.
Cinco artistas que por su estilo y originalidad merecen ser seguidos de cerca, todos presentando grandes ideas y conceptos plasmados en la imagen fotográfica.
Cinco artistas que por su estilo y originalidad merecen ser seguidos de cerca, todos presentando grandes ideas y conceptos plasmados en la imagen fotográfica.
ALEJANDRO CARTAGENA / GALERIA PATRICIA CONDE
El fotógrafo mexicano nacido en Republica Dominicana Alejandro Cartagena no es nuevo en estos festivales, hace algunos años conocimos su original y galardonada serie “Carpoolers" donde nos mostró desde una perspectiva cenital composiciones creadas por pasajeros y elementos en la parte trasera de camionetas de redilas en México.
En esta ocasión Cartagena da
un sutil giro y muestra “Before UBER” una serie de fotografías de taxis vistos desde el mismo ángulo que su serie antecesora, recordándonos que si existía (y aún existe) algo antes de Uber, la aplicación de taxis VIP que todos conocemos. El trabajo de Cartagena sigue maravillándonos con su enfoque socio-cultural de la vida cotidiana en México y su relación con el mundo globalizado.
REN HANG / MAMA GALLERY
Las fotografías e imágenes del artista chino Ren Hang son explícitas, crudas, eróticas y algunos podrían decir que hasta rayan en lo vulgar y grotesco. El artista quien ha sido censurado en su país natal, posee un nutrido curriculum de exposiciones y muestras internacionales, su obra es ruda y parece no conocer los límites.
Hang muestra amigos, familiares y alguno que otro desconocido en posiciones y composiciones que lo muestran todo, algunas piezas son manipuladas pero otras muestran lo cándida de su visión. La linea entre la fantasía y la realidad es muy delgada en la obra de Hang.
No cabe duda que Ren Hang es un artista polémico y con actitud “in your face” pero no podemos negar que las imagines nos provocan algo y creo yo eso es lo más difícil de lograr en la fotografía.
Quien este familiarizado con la obra de Cándida Höfer sabe que va a encontrarse con piezas a gran formato y es que esto, es necesario para mostrar la majestuosidad de sus composiciones dentro espacios y edificaciones que nos hacen querer meternos en la obra, en esta ocasión la Galeria OMR nos muestra una sola pieza en exhibición de la artista nacida en Alemania, una fotografía del Museo Di Palazzo D’Arco en la comunidad de Montava en Italia, dentro de este se encuentra la Sala dello Zodiaco (Sala del Zodiaco) una serie de murales pintados por el artista renacentista Giovanni Maria Falconetto las cuales Höfer retrató para esta pieza.
Sin duda el cuadro impone ya que con casi 2 metros y medio de largo y 1.80 de alto esta obra en gran formato es una que atrapó nuestra mirada. Höfer con una larga trayectoria en fotografía de arquitectura e interiores nos seduce con estos no-lugares etéreos y magníficos.
CANDIDA HÖFER/ GALERIA OMR
JUAN CARLOS COPPEL / CELAYA BROTHERS
La galería de los hermanos Ricardo y Victor Celaya nos trae a un conocido de la fotografía contemporánea mexicana, Juan Carlos Coppel nos presenta una serie de paisajes oníricos en diferentes valles y cerros en México, Coppel siendo un agricultor presenta su pieza “Quema 1” la cual fue la que más capturó nuestra mirada.
La fotografía muestra la majestuosidad de un sol incandescente en medio de una bruma ocasionada por la quema de llantas en los campos agrícolas mexicanos, esto usado para evitar el congelamiento de las cosechas. El conjunto de estos elementos a simple vista naturales y sencillos crean una escena contemplativa y hace difícil despegar la mirada del cuadro.
FABIO BUCCIARELLI / RAFFAELLA DE CHIRICO ARTE CONTEMPORANEA
El fotógrafo documental italiano Fabio Bucciarelli quien ha pasado los últimos 5 años documentando la situación migratoria en el norte de África, Medio Oriente y Europa nos muestra Things they Carried (2015) un trabajo que fue hecho para el periódico New York Times muestra el registro de una serie de objetos recolectados por una agencia italiana que genera bases de datos con objetos pertenecientes a refugiados perdidos y perecidos en accidentes marítimos. Carteras, ropa y en este caso un celular severamente dañado por el agua, son la primera pista para lograr conocer la identidad de cientos de miles de refugiados que sufren la crisis migratoria que tanto aqueja a nuestra sociedad. Las fotografías funcionan como impactantes y crudos retratos que nos dejaron con un nudo en la garganta.
c/CK
Yo soy Erick Conceka editor de la sección de fotografía de Revista Tlatoa. Gracias por leer este espacio dedicado a mi pasión por la fotografía y la imagen.
FOTOGRAFIA
La importancia de nuestras habilidades sociales en la fotografía street.
Por Erick conceka Septiembre 2016
¿Cómo puedo mejorar y dar más significado a mis fotografías?, ¿cómo puedo incrementar mi autoestima y confianza en mi mismo y finalmente crear mejores imágenes?
Estas son las preguntas que casi a diario me hago a mi mismo antes de salir a fotografiar las calles.
Honestamente, una de las formas mas importantes para lograr esto es trabajando nuestras habilidades de interacción social.
Pero. ¿Porqué?
Las habilidades sociales influyen en casi todos los aspectos de la fotografía urbana.
Por ejemplo, tener la suficiente confianza de tomar una fotografía de algún desconocido y tener la suficiente destreza social y verbal para interactuar con esta persona (en caso de que este molesta), o si deseamos preguntar por alguna fotografía para obtener un retrato urbano. Para todo esto necesitamos confianza y seguridad en nosotros mismos.
Si tenemos intenciones de exponer o exhibir en aluna galería, desafortunadamente muchas veces es más importante nuestra habilidad para generar relaciones (networking) que nuestras habilidades artísticas y creativas. Esto sucede en cualquier aspecto de nuestras vidas.
¿Cómo mejorar nuestras habilidades sociales?
Creo que una de las mejores maneras para fortalecer nuestra capacidad de relacionarnos con nuestro entorno y la sociedad que nos rodea es tratar a todo mundo como nuestro amigo, tratarlos con empatía, afecto y sobre todo con respeto. Muchas veces tratamos y vemos a las personas en la calle como personajes sin alma o algo así, como si solo estuvieran de relleno. Tenemos que estar conscientes que ellas también son seres humanos como nosotros, ellos tienen sus propias ambiciones, ansiedades y problemas. Pero también tienen trabajos, sueños y pasiones. Hay que reconocer esto y nos facilitará nuestra interacción con las personas.
Tratemos de ponernos en los zapatos de nuestros “modelos”. Hagamos esto al juzgar nuestras imágenes, cuando interactuamos con otros y así tratar de meternos en su cabeza. Mientras mas puedas conocer la perspectiva de esa persona, más vas a lograr empatizar con ella , expandirás tu propia visión del mundo y así obtendrás fotografías más personales e íntimas.
El lenguaje corporal es clave.
Tenemos que ser realistas y saber que no todos tenemos la misma capacidad de relacionarnos con otros, pero todos compartimos la pasión por la fotografía. Podemos lograr ser fotógrafos sigilosos y eficaces, esto no solo relacionándonos verbalmente con la gente si no que las habilidades sociales también incluyen la manera en que te proyectas frente a las situaciones. La forma en que haces uso de tu lenguaje corporal en la fotografía es clave para obtener buenas imágenes.
Por ejemplo, si sabes como mostrar el lenguaje corporal en una conversación, sabes que el contacto visual, asentir y tornar tu cuerpo hacia la otra persona son elementos básicos para mostrar un interés completo en la conversación. Ahora entonces, mientras estemos en las calles usemos esto a nuestro favor y evadamos la atención al no hacer contacto visual y dirigirnos en otra dirección a nuestros sujetos. Esto levantará menos sospechas de que estas tomando una fotografía de ellos.
Personalmente siento que entre mas confianza tenga en acercarme y preguntar por una foto (con permiso), me hace estar más confiado y cómodo tomando fotografías cándidas (sin permiso).
Ejercita tus habilidades de interacción social diariamente.
Aunque actualmente estoy más confiado y cómodo en las calles tomando fotos en comparación a lo que era cuando empecé hace unos años, aún siento nervios y ansiedad. Y eso es lo que hace a la fotografía urbana tan desafiante y emocionante.
La fotografía de paisaje aunque increíble visualmente, en lo personal la encuentro aburrida porque no me reta socialmente ni mentalmente. La fotografía de paisaje es difícil por muchas razones (los reto a levantarse a las 3am a tomar una foto) pero no es algo que me haga vibrar ni sentir pleno a mi.
También creo que todos estas habilidades sociales no son innatas. Claro, algunos somos más extrovertidos o introvertidos que otros, pero interactuar con extraños es una habilidad que se adquiere con el tiempo.
Como una persona extrovertida, me siento muy bien alrededor de amigos y familiares y puedo hablar por horas y desenvolverme muy cómodamente. Pero aún siento nervios y ansiedad alrededor de extraños, lo único que puedo seguir haciendo es empujarme a mi mismo a salirme de mi zona de confort para lograr mejores imágenes y conectar con las personas que pretendo fotografiar.
-c/CK
Este artículo fue escrito con la intención de servir de apoyo para aquellos que desean incursionar en el género de la fotografía urbana (street photography) , con el ofrezco algunos puntos que me han servido en mi trabajo y desarrollo como fotógrafo en las calles. De ninguna manera quiero imponer nada en el trabajo de cada uno de ustedes y no existe ninguna verdad absoluta en lo antes mencionado, solamente expongo lo que a mi como fotógrafo me ha servido para lograr las imágenes que obtengo día a día y como esta actividad me ha formado como persona y apasionado de la fotografía.
FOTOGRAFIA
Compartir lo que amas.
Por Regina Cervantes Agosto 2016
Hace unos días fui a tomar un café con un colega adicto a la foto. Dos horas y media de hablar de fotografía, platicar de flash, de color y de fotolibros hizo que el día fuera un gran día. El camino de la fotografía puede llegar a ser uno solitario, algo que normalmente disfruto, pero días como este me recuerda que compartir una pasión con alguien es increíblemente inspirador y nutritivo.
En ese par de horas surgieron grandes ideas y mucha inspiración para futuros proyectos. Durante toda la conversación sentí un gran “rush” de emociones. Si hubiera estado ahí sentada sola o con casi cualquier otra persona, hubiera notado las flores amarillas y rojas en un florero a un lado de la mostaza y la cátsup del mismo matiz y solo hubiera podido hacer lo que me es mas natural: tomar una foto. Hubiera pasado el resto de mi tiempo ahí con una risita interna y un curioso asombro preguntándome: ¿Quien escogió estas flores? ¿Fue un acto intencional combinarlas con los condimentos? ¿Alguien más nota esta increíble coincidencia? ¿A alguien más le importa? Este día en especial, había por lo menos otra persona que si lo notaba, que entendía mi asombro. Momentos así son sumamente especiales para mi, es rara la situación en la que encuentro a alguien que le guste hablar de esos pequeños detalles.
Este evento me llevo a tener un entendimiento, o mejor dicho, me dejo algo aun más claro: Estas simples y comunes peculiaridades y la esperanza de que la gente las note, son las que me llevan a tomar fotos. Claro que no soy la única que busca esto, hay una gran cantidad de artistas que buscan mostrarnos este mundo a través de la fotografía. A diferencia de otras artes, la fotografía trata con ESTE momento y con lo que ya esta en el mundo. Como fotógrafos tenemos un deber, no solo de mostrarle al mundo lo bello y lo extraordinario, si no también las pequeñas cosas y pequeños momentos que hacen el día a día y cada momento digno de nuestra atención. Para los que vemos la fotografía como un arte, el trabajo no esta en darle a la gente lo que quieren ver, reservando la cámara para cumpleaños o atardeceres. El trabajo esta en crear interés por TODO, desde lo más cotidiano, hasta lo obviamente asombroso.
Una vez más he vuelto a recordar porqué amo la fotografía y porque le he invertido tanto tiempo y tanto dinero en cámaras, rollos e impresiones. Tal vez mis fotos no tengan un propósito practico, pero es necesario seguir los impulsos creativos. Al escuchar a mi amigo hablar con tanta pasión sobre las fotos y las pequeñas cosas que hacen una gran fotografía se despertó nuevamente mi urgencia por fotografiar. Y desde ese día, es lo único que he querido hacer.
Este café mañanero me dejo con dos grandes enseñanzas. La primera es que si hay una voz adentro de ti que busca crear, déjala salir, solemos no darle el suficiente espacio para expresarse y en cuanto le hacemos caso todo cambia, es inevitable no sentir ese “rush” en todo el cuerpo, el cual normalmente vine acompañado de grandes creaciones. Y dos, si conoces a alguien con quien compartes una pasión, no subestimes lo que pueden llegar a crear. !Llama a esa persona, tomen un café y que vengan las buenas ideas!
Regina Cervantes
TRANQUILIO, RESPIRA Y DESCANSA UN POCO
Acerca del descanso en la fotografía.
Como fotógrafos y apasionados de este arte muchas veces nos forzamos y exigimos de más al momento de producir y practicar lo que más nos gusta hacer. La sociedad actual siempre nos esta recordando ser productivos, eficientes y estar trabajando todo el tiempo. Muchas veces esto puede llegar a ser dañino para nuestro proceso creativo, el tratar de mantenernos constantemente inspirados resulta una tarea desgastante que más tarde puede frustrarnos creativamente.
Aquí el porque de este artículo, creo que a veces debemos darle un descanso a eso que consideramos nuestra pasión, hay que darle un descanso a la fotografía.
SIENTE TU DOLOR Y APRENDE DE EL
Conozco muchos proyectos "365", estos, si no los conocen, consisten en tomar una fotografía diaria durante un año, algunos son realmente inspiradores y de gran riqueza visual. Pero siempre termino preguntándome si de verdad disfrutaran fotografiar cada día durante un año, debo aceptar que siento cierta envidia por saber de alguien que puede mantener esa creatividad e inspiración activa por tanto tiempo, digo, 365 tomando fotografías no es algo fácil, pero en fin a quien logra completar estos proyectos merecen todo el respeto, pero, ¿de verdad disfrutan cada día de la misma manera? ¿Todas la fotografías significaran algo para ellos? Para mi suena muy doloroso, se están forzando a tomar fotografías, como si fuera un trabajo, una obligación, están convirtiendo eso que tanto los hace feliz en algo que deben de hacer incluso sin desearlo. Produciendo como resultado imágenes aburridas, mediocres y sin “alma”.
Quizás sea algo irónico que este espacio este dedicado a la fotografía y lo que este haciendo es diciéndoles que dejen de hacerlo, mi intención no es esa, pero creo que tomar fotografías debe ser una actividad que nos guste hacer, claro, muchos de nosotros hacemos esto como profesión, otros por pura afición, pero al fin y al cabo la intención es la misma ¿cierto? el objetivo es disfrutarlo. Que no terminemos odiando lo que más nos llena como personas, lo que en mi caso me hace sentir vivo.
APRENDE DEL BLOQUEO CREATIVO
A todos nos ha pasado que algunas veces no tenemos claro que es realmente lo que estamos haciendo, queremos tener ideas geniales todo el tiempo y se nos ha inculcado que el trabajo duro y constante nos dará frutos positivos en nuestro proceso creativo. La famosa frase “la inspiración no llega, se crea con trabajo” aunque es muy cierta, no creo que siempre sea así.
Debemos saber que exigirnos demasiado, y esto aplica en cualquier actividad, no es siempre la mejor manera de crear o producir algo significativo, hablando de fotografía tenemos que estar conscientes que muchas veces no tendremos claro hacia donde estamos yendo o si lo que estamos generando es algo valioso en nuestro trabajo como fotógrafos. Debemos de parar un poco, mirar en donde estamos, respirar y comenzar de nuevo.
Por ejemplo, si desean seguir motivados e inspirados a tomar fotografías sigan una regla principal: solo tomar fotografías cuando nosotros queramos, y solo tomar fotografías de lo que nosotros queramos.
Si no desean tomar fotografías diario, que así sea. Esto pudiera ser una buena manera de enfocarnos en "menos es más" y tomar fotografías solamente de cosas que nos llenen y nos hagan sentir algo.
¿QUE HACER EN VEZ DE TOMAR FOTOS?
Todos nosotros conocemos nuestras técnicas y métodos para nutrir nuestra creatividad, pero quizás no conocemos de otras fuentes de inspiración y detonadores creativos que diario hacemos y quizás no nos hemos dado cuenta. Como fotógrafo trato de realizar estas actividades constantemente, estas me ayudan a despejar mi mente del bloqueo creativo, esa falta de ideas que muchas veces nos frustra como productores visuales.
MUSICA- Algo básico para muchos, la música es un vehículo hipersensorial que estimula muchísimo nuestra creatividad. Conocer nueva música y obtener de ella herramientas para crear en otros campos creativos. Campos como el video musical que regreso y llego para quedarse. Videos que muchas veces muestran una gran fotografía y técnicas para dar a entender una idea mediante el ritmo y la imagen. Tomen de los artistas y productores ideas que les ayuden en su producción visual.
VIDEO- Como lo mencioné en el párrafo anterior el video va de la mano y esta íntimamente ligado a la fotografía, vamos si lo vemos desde la perspectiva mas esencial, el video solo es una serie de imágenes en secuencia que generan una acción y posteriormente una escena. Ver cine y apreciar el cine creo que es una de las fuentes de inspiración mas importantes en la carrera de un fotógrafo, si nos ponemos a pensar, la gran mayoría de los grandes cineastas comenzaron como fotógrafos o por lo menos poseían un gran conocimiento previo a dedicarse a crear películas. Filmes como 2001: Odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey) de Stanley Kubrick, (Shichinin no samurai), “Los 7 Samurais" de Akira Kurosawa y más recientemente El Renacido (The Revenant) de nuestro compatriota Alejandro G. Iñárritu muestran de manera impecable una fotografía que más que estéticamente bien ejecutada son escenas que realmente nos cuentan una historia, nos producen una sensación.
EJERCICIO- Creo que no hay nada más estimulante para la creatividad que la actividad física, el ejercicio es clave en nuestro desarrollo creativo. Aquí es en donde desahogamos muchas de nuestras inquietudes, causas de estrés y una vez más el bloqueo creativo del que tanto sufrimos muchos de nosotros.
En lo personal últimamente he adoptado la escalada como actividad física principal, la sensación de adrenalina y la concentración que se necesita para literalmente no caer me hace entrar en un trance en donde solo estoy enfocado y concentrado en lo que estoy haciendo, realmente vivo el momento. Todo esto ha ayudado muchísimo en mi fotografía, me ha enseñado a enfocarme en los pequeños detalles y en utilizar ese "rush" de adrenalina a mi favor al momento de tomar fotografías.
LECTURA- Que más estimulante que leer un libro, grandes autores nos han regalado increíbles historias, impresionantes escenarios y personajes inolvidables. Que más creativo que generar historias de la nada, claro ellos obtuvieron la inspiración de muchos otros lados pero a final de cuentas es lo mismo. Lo que nosotros tratamos de hacer con la fotografía es contar historias mediante la luz, el color, la forma y las emociones. Alguna vez leí una de las mejores frases que pudiera aplicar en esta ocasión. “BUY BOOKS NOT GEAR” (COMPRA LIBROS NO EQUIPO) compremos libros y nos nos preocupemos tanto por tener la mejor cámara, el mejor lente o tener el mejor lo que sea. Compremos libros y veamos la visión de otros fotógrafos, las ideas de otros autores y de ahí saquemos lo que necesitemos para crear y producir grandes imágenes.
PENSAR EN QUE SIGNIFICA LA FOTOGRAFIA AL FIN Y AL CABO
Hacer fotografía se trata de obtener imágenes significativas y que nos hagan sentir algo. No se trata de solo tomar fotos.
Creo que al final de cuentas debemos de pensar que es lo que realmente significa tomar fotografías para cada uno de nosotros, para unos es un trabajo y hay que hacerlo si o si, para otros es una gran afición a la cual hay que nutrir para siempre mejorar y para otros simplemente es nuestro estilo de vida y la manera en que reflejamos como vemos el mundo. Cuando tengamos una noción de que es la fotografía para nosotros, será mas fácil encontrar ese impulso y generar esa inspiración que tanto nos cuesta obtener. Por eso tranquilo, respiren y descansen un poco. ESTO INCLUYE TOMAR MUCHAS SIESTAS :)
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FOTOGRAFIA
Descanso
Por Erick Conceka Agosto 2016
FOTOGRAFIA
Have a nice book
Por Regina Cervantes Agosto 2016
¿Tienes un fotógrafo favorito? ¿Alguna vez has visto alguno de sus libros? Te invito a conocer el mundo del libro fotográfico a través de Have a Nice Book. Un proyecto fotográfico sin fin de lucro que busca crear un biblioteca virtual de fotografía impresa, con el propósito único de compartir la fotografía y los libros.
Por medio de sencillos videos musicalizados, podemos sentarnos y apreciar una gran cantidad de libros pagina por pagina, una oportunidad antes inimaginable. Los libros fotográficos pueden llegar a ser caros y difíciles de conseguir, sin embargo, tener acceso a ellos es tener acceso a un aspecto fundamental de la fotografía. Para los fotógrafos artísticos, documentales e editoriales el proceso acaba en la impresión. Detrás de un fotolibro hay meses de trabajo: el diseño, el tipo de papel y la secuencia de imágenes juegan un roll sustancial en la experiencia del espectador hacia cada fotografía.
Gracias a este proyecto tenemos una oportunidad única de descubrir nuevos fotógrafos a fondo o entender mejor a nuestros fotógrafos favoritos a través de sus libros. Para los fotógrafos que dedican su vida a este arte, una foto por si sola no dice mas que unas cuantas palabras, en cambio un proyecto fotográfico refleja una visión y un discurso completo.
A continuación les dejo tres ejemplos de fotolibros que cambiaron la historia de la fotografía, lo invito a disfrutar y seguir explorando.
@Regina Cervantes
http://haveanicebook.com/book/illuminance/
http://haveanicebook.com/book/uncommon-places/
http://haveanicebook.com/book/in-sickness-and-in-health/
@Regina Cervantes
FOTOGRAFIA
Bill Cunningham
Por Regina Cervantes Julio 2016
En el pasado mes de Junio el mundo de la moda y la fotografía perdió a uno de sus mas reconocidos iconos, Bill Cunningham.
Un hombre que por años recorrió día con día las calles de Nueva York observando y capturando lo que, para él, determinaba la moda del momento.
"More than anyone else in the city, he has the whole visual history of the last 40 or 50 years of New York. It's the total scope of fashion in the life of New York." Oscar De la Renta
En el documental Bill Cunningham, New York (2010) tenemos la oportunidad de seguir a un hombre realmente sencillo, el cual poseía no mas que unas cuantas prendas de ropa, una bicicleta, cámara y un sin fin de negativos.
En repetidas ocasiones rompió cheques con los que le pagaron su trabajo para distintas revistas y libros. Solía decir: “el dinero es la cosa mas barata. La libertad la mas cara.” También dijo repetidas veces que si no aceptaba el dinero de nadie, nadie podía decirle que hacer. Bill era un hombre libre y con una pasión invariable, observar y capturar el “ahora”, en su caso a través de la moda.
Los invito a ver su documental Bill Cunningham New York, el cual se encuentra en Netflix. Así como a ver su columna semanal en el New York Times. Ver su trabajo es ver la historia de un hombre apasionado por el mundo, un hombre que vivió auténticamente para el y su legado es un regalo para nosotros.
@Regina Cervante
Por ERICK CONCEKA , Julio 2016
LA FOTOGRAFÍA DEMOCRATICA DE WILLIAM EGGLESTON.
FOTOGRAFIA
El pionero de la fotografía a color William Eggleston, nacido en Memphis Tennessee es considerado por mucho uno de los más grandes exponentes en el género street pero sobre todo por haber logrado consolidar el color como tema en la fotografía artística en su tiempo.
La primera vez que tuve un acercamiento a su obra quedé maravillado por el protagonismo del color en su obra y como hacia uso de este para generar emociones y crear un dialogo con el espectador.
A continuación menciono 3 puntos que considero importantes analizar para apreciar el trabajo de Eggleston y complementar nuestro trabajo fotográfico
TODO PUEDE SER FOTOGRAFIADO
Creo que muchas veces nos preocupamos demasiado por tomar las escenas mas extrañas, los personajes más extraordinarios y las situaciones más surreales.
Eggleston le dio un giro totalmente a esta percepción del fotógrafo urbano, el no estaba interesado en capturar lo bello o “interesante”, el buscaba plasmar lo banal, lo común y lo mundano. Quería demostrar la belleza en lo que muchas veces ignoramos o consideramos común y corriente.
Eggleston logró todo esto cuando todos los fotógrafos de la época estaban documentando hermosos paisajes, impresionantes retratos y eventos relevantes alrededor del mundo. El documental de la BBC: William Eggleston:Imagine explica que uno de los factores más importantes fue comenzar a fotografiar "lo feo".
La belleza del trabajo de Eggleston es como trata a todos los objetos por igual, fotografía "democráticamente", nada es más interesante que otra cosa, el trata a una hermosa puesta de sol de igual manera que un baño sucio de una gasolinera o una lavadora vieja abandonada en la calle.
En concreto Eggleston me ha enseñado a no preocuparme demasiado por encontrar "LA escena", "EL momento" o "EL gesto" más cándido, en cambio me preocupo mas por entrenar y educar a mi ojo a mirar las cosas de otra manera, de romper un poco las reglas y las normas y encontrar lo interesante en lo feo y ordinario.
CONOCER TU ENTORNO
No todos tenemos la oportunidad de viajar y transportarnos a lugares lejanos y exóticos, todos deseamos explorar los lugares mas increíbles y obtener las imágenes mas interesantes pero esto no tiene porque limitarnos.
Eggleston lleva fotografiando su natal Memphis y hasta la fecha no ha terminando de descubrir lo que esta ciudad, que a primera vista pudiera no considerarse muy "interesante", puede llegar a ofrecer visualmente.
Muchos pensamos que debemos estar en otro lugar tomando fotografías, que nuestro sitio actual no es lo suficientemente interesante para documentar, envidiamos a la gente de otras ciudades cosmopolitas porque ahí "si" ocurren cosas interesantes, creemos que el pasto es más verde del otro lado de la cerca, creo que debemos eliminar esas percepciones y comenzar a valorar el lugar en donde nos toco desarrollarnos como fotógrafos.
LA CURIOSIDAD.
Creo que esta es una de las cosas más importantes en street photography, ser curioso y educar nuestra forma de ver las cosas. No importa lo técnicamente buenos que seamos tomando fotos, que importa si nuestra exposición es la mejor o nuestra cámara es la más costosa y avanzada en el mercado. Sin un ojo entrenado y una curiosidad por las cosas que nos rodean nuestras fotos nunca podrían llegar a ser buenas e interesantes.
¿Como Eggleston pudo desarrollar su característico estilo y visión? En general el es una persona curiosa por naturaleza, se queda mirando a las cosas por horas (inclusive sin fotografiarlas). Su hija Andrea Eggleston en una entrevista con el photoblogger Eric Kim compartió lo siguiente.
"Yo sabia que sus fotografías indicaban perfectamente su manera de ser y como el ve la vida, yo siempre he visto eso no solo en sus fotografías si no en como mira, como observa las cosas---que es lo que mira---- y que es lo que encuentra en ellas. El definitivamente tiene un ojo diferente. Lo he visto quedarse mirando a una vajilla china por varios minutos[risas] y no una particularmente valiosa. Es algo loco pero extraordinario."
Lo que obtengo de la declaración de Andrea es que las fotos y el estilo de su padre indican su forma de ser y ver las cosas, como el posee un ojo diferente a todos. Como puede apreciar las cosas que muchas veces ignoramos o no valoramos.
Por eso tratemos de observar y no solamente ver, de vivir y no solamente estar. Valoremos nuestro entorno y las pequeñas grandes cosas que vemos todos los días pero no nos percatamos.
EL COLOR.
No es posible hablar de William Eggleston y su legado en la fotografía sin mencionar el color como principal protagonista en su trabajo.
Cuando Eggleston comenzó a fotografiar a color todos los demás estaban desarrollando su trabajo en blanco y negro, y su trabajo era considerado vulgar y poco interesante. Pero Eggleston tenia en mente otras cosas que no tenían que ver con hacer fotografía artística, a el eso no le interesaba. Lo que le interesaba era el color mismo, y como se veían las cosas a color e impresas en una superficie.
Se necesita un gran conocimiento en teoría del color y como conjugar cada elemento en el encuadre para que una fotografía a color funcione, esto hace el trabajo del fotógrafo aún mas difícil, se tiene que pensar a color y no dar por hecho que una foto funcionará solamente con tener un buen motivo, todo en el cuadro importa y todos los colores deben complementarse. Nos deben provocar una sensación, un sentimiento, crear un ambientación.
FOTOGRAFIA
Un ejercicio de presencia
Por Regina Cervantes Julio 2016
Para mi el gran regalo de la fotografía es su habilidad de regresarnos al momento presente. Con el paso del tiempo empecé a notar que mis memorias más vívidas éran esas en las cuales tenía una cámara en la mano. El simple hecho de estar observando y estar receptiva al mundo en el que me encuentro en determinado momento, me ha permitido salir de mi cabeza y me ha dado la oportunidad de participar en el momento presente de manera directa. Mis memorias más especiales no son necesariamente eventos trascendentes, son mas bien momentos en que luz, color y objetos, se situaban en una hermosa composición enfrente de mi.
Te invito a hacer el siguiente ejercício. Hoy a lo largo de tu día, haz conciencia de que tu cámara (tu celular) es una puerta de acceso a un mundo mágico y desconocido, el mundo del ahora. No cambies tu rutina: maneja por los mismos lugares, ve a tu trabajo o escuela y habla con la misma gente, solo que hoy ten en cuenta que tienes una cámara contigo.
Tu tarea es fácil: poner atención.
¿La luz es cálida o fría?
¿Qué es lo que más me gusta de este edificio?
¿Qué gestos de esta persona la hacen interesante para mi?
¿Si me mudara de casa, que me gustaría recordar?
Responde este tipo de preguntas a través de fotografías. Al final del día, haz un álbum de tu día y reflexiona: ¿cuántas cosas notaste hoy que solían pasar desapercibidas?
