Art Collective
[Music & Arts]
¿Cómo un Oxxo se convirtió en Arte?
El Oroxxo de Gabriel Orozco en Kurimanzutto
Por Javier de Alba, marzo 2017
¿Cómo un Oxxo se convirtió en Arte?
Hablamos con Erick Sanchez, también conocido bajo su seudónimo artístico como Erick Conceka (- @concekaerick -). Erick es curador, fotógrafo y colaborador en la galería Kurimanzutto en visitas guiadas y explicación del proyecto Oroxxo y hablamos con él para que nos explicara un poco sobre este controversial proyecto artístico creado por uno de los artistas conceptuales mexicanos más renombrados a nivel internacional, y así nos diera un poco de luz entre la tormenta de opiniones que se encuentran por doquier con relación a esta obra.
Antes que nada Erick ¿quién es Gabriel Orozco?
Gabriel Orozco es uno de los artistas más influyentes en el arte contemporáneo mexicano, lleva trabajando en el arte conceptual desde principios de los años 90´s. Su trabajo abarca instalación, dibujo, fotografía y todos estas manifestaciones del arte conceptual, usando arte objeto, happenings y Ready Mades, es decir, arte objeto que se convierte en arte conceptual por el hecho de darle el nombre de; son objetos ya producidos, por quien sea, como un coche o algún otro producto terminado, “Ready Made”, osea finalizado y listo para ser expuesto.
En la actualidad el trabajo de Orozco está enfocado en crear conciencia con el arte en diversas formas, en este caso utiliza los temas del consumismo, los productos y los hábitos de quien consume.
Tras este preámbulo, ¿cuál es el sentido de poner un Oxxo y cómo este se vuelve una obra de arte?
La principal preocupación de Gabriel Orozco es crear esta idea y este choque entre dos mercados, el mercado del arte contemporáneo, mercado excluyente y elitista en cierta manera, y el mercado convencional, mercado del que no nos damos cuenta porque estamos inmersos en él todo el tiempo, el mercado usual, el del dia a dia. Entonces, con esta instalación, ocupando el vehículo del oxxo, la tienda más popular en México, quiere crear esa convivencia entre estos dos mercados, su principal pregunta fue, ¿será posible vender arte contemporáneo mediante una tienda de conveniencia, funcionando con todos sus herramientas de consumo y poniendo promociones? Podemos decir que si, pues el objetivo se está logrando. La principal razón del oxxo es utilizar un lugar tan coloquial para todos nosotros y colocarlo dentro de una de las galerías más importantes en México, esto con el afán de crear esa especie de mundo absurdo entre algo tan común y lo que es el arte contemporáneo, con lo cual crea una serie de preguntas en los espectadores, una serie de confusiones inclusive de cómo estamos consumiendo y que es lo que estamos consumiendo los mexicanos, si observas la exposición son una serie de objetos que están íntimamente ligados a la cultura mexicana, es una especie de radiografía o disección del consumismo mexicano.
¿En qué sentido este discurso se vuelve arte? ¿En qué momento deja de ser un simple oxxo y cuando se vuelve arte?
En el momento en el que se recontextualiza el lugar, al momento de poner una tienda de esta naturaleza dentro de una galería es como cualquier otro objeto que ingresa, es contextualizado en una galería y se vuelve arte. Además Gabriel tiene la autoridad, el atrevimiento o la capacidad de nombrar esta instalación como una instalación de arte y esta genera reacciones y una serie de estímulos en los observadores que es precisamente lo que el arte contemporáneo busca, que se generen efectos secundarios en el observador y no necesariamente en los elementos formales como la estética o composición. No es una pintura, no es una escultura, incluso se podría decir que no es una instalación, es toda una actividad que se ha gestado y que se ha desarrollado a través de la galería Kurimanzutto, donde la moneda de uso común no sirve más que para comprar piezas de arte intervenidas por Gabriel, si queremos adquirir cualquier otro producto del oxxo dentro de la galería solo es válida la moneda, cargada de mucho simbolismo, que creó Gabriel.
"[...]debemos recordar que él le vendió una caja de zapatos vacía al MoMA, entonces desde los 90´s se ve la intención de Gabriel por autocriticar a la escena [...] no es la estética ni la línea ni el punto, es la idea detrás de todos los objetos y partiendo de ahí podemos encontrar distintas formas de lectura de esta pieza[...]".
Para la selección de las piezas se contempló la relación que tenía Gabriel con los productos y la relación que tienen los mexicanos con los productos, de esta forma podemos ver que todos los productos exhibidos muestran una relación íntima con el imaginario mexicano, un extranjero reconoce que son papas o son refrescos pero no tienen ninguna empatía como la tiene cualquier mexicano, pues a fin de cuentas todos hemos entrado a un oxxo y comprado la mayoría de estos productos o de menos nos encontramos muy familiarizados con ellos.
Por último, vimos un reportaje de la revista Vice, donde una chica narra como robo una pieza de la galería, según cuenta es un sobre de comida para gato el cual se lo dio a su mascota, ¿cuál fue la reacción por parte de la galería o el artista sobre este suceso?
Pues a la galería no le representó el menor problema, al contrario, de hecho nos hizo mucha publicidad pues mucha gente se enteró de la exposición a través de ese medio, sin embargo la pieza en su conjunto vuelve a tener otro gran acierto al generar una radiografía de los hábitos mexicanos, siendo el oxxo la tienda con la mayor cantidad de robo hormiga, y este acto no es algo de aplaudir pues a fin de cuentas por insignificante que sea nos muestra una parte del carácter nacional destructivo que nos ha llevado a un estado de deterioro y de perpetua crisis económica y más preocupante que eso, social.
Tal vez a manera de cachetada con guante blanco debería de mandarle Gabriel un certificado de autenticidad de su obra, sería gracioso imaginarla buscando entre la basura el sobre de comida para gato de $15,000 dólares que robó, usó y tiro.
Todas las fotografías son autoría de Erick Conceka ( @concekaerick ), la exposición estará expuesta hasta el 16 marzo en la Galería Kurimanzutto, Gobernador Rafael Rebollar 94, San Miguel Chapultepec I Sección, 11850 Miguel Hidalgo, CDMX, horarios de Lunes a Viernes de 10 am - 7 pm y sábados de 10 am - 4 pm.
"[...]a lo largo de toda su trayectoria ha trabajado con los objetos comunes y de consumo masivo y los ha revalorizado como piezas de arte, y esta pieza es tan simple como compleja, lo que busca es generar una especie de autocrítica, una burla si lo queremos ver en ese sentido de la propia escena de la cual es un actor principal [...]".
Mencionas que Gabriel Orozco tiene la autoridad o atrevimiento para generar arte, pareciera que es el juego que él quiere exponer, el hecho de que él puede designar que es arte simplemente por marcarlo.
Claro, él a lo largo de toda su trayectoria ha trabajado con los objetos comunes y de consumo masivo y los ha revalorizado como piezas de arte, y esta pieza es tan simple como compleja, lo que busca es generar una especie de autocrítica, una burla si lo queremos ver en ese sentido de la propia escena de la cual es un actor principal, pues es un agente que marca tendencia dentro del arte contemporáneo por ser Gabriel Orozco y por ser ya una figura establecida, entonces él trabaja con esto, con la manera en que objetos de uso común mediante la intervención de una marca, de un logotipo creado por Gabriel Orozco, se revalorizan y crean nuevos productos, ósea, estos productos no son lo que estamos viendo son productos de Gabriel Orozco.
Durante la visita guiada mencionas que parte de la crítica es que solo consumimos marcas. En la exposición podemos ver Sabritas y Coca Cola y dentro de esas marcas vemos a Gabriel Orozco, probablemente si cualquier otro agente marcará los productos estos no valdrían $15,000 Dólares.
Es una manera de exponer ese aspecto ridículo del arte, el trata de poner en el ojo del huracán a toda esa crítica que se genera alrededor del arte contemporáneo, de que todo es arte y en el momento en el que alguien le pone un precio o una etiqueta ya tiene el derecho de venderlo a esos precios, entonces es una crítica, y siendo Gabriel Orozco el artista arriesgado y atrevido que es entonces es algo que funciona, si hubiera sido cualquier otra persona o una instalación diferente tal vez no hubiera tenido el mismo resultado, pero Gabriel es un artista que lleva 30 años trabajando con esto, debemos recordar que él le vendió una caja de zapatos vacía al MoMA, entonces desde los 90´s se ve la intención de Gabriel por autocriticar a la escena, sin embargo es una arma de dos filos, pues genera toda una serie de críticas y disgusto, pero también genera admiración en otros, todo circundando la idea de ¿por qué se atrevió a marcar artículos tan comunes y venderlos en precios exorbitantes? Y es precisamente porque el arte abstracto está trabajando con otras cosas, no es el elemento formal, no es la estética ni la línea ni el punto, es la idea detrás de todos los objetos y partiendo de ahí podemos encontrar distintas formas de lectura de esta pieza, como la relevancia de las marcas y la manera en la que los productos nos están consumiendo a nosotros y no nosotros a ellos, como trazan tendencias, o la manera en la que nos controlan con las estrategias más sutiles y silenciosas, como es la teoría del color, tipografía, diseño y el nombre mismo.
Fotografías de Erick Sánchez
Erick Conceka (- @concekaerick -) Curador, fotógrafo y colaborador en la galería Kurimanzutto
Paraíso-Linea Negra
Por Javier De Alba, Febrero 2017
Tomás Ochoa
Tomás Ochoa es un artista Ecuatoriano con gran trayectoria, su trabajo ha sido expuesto en diversas sedes a nivel mundial, entre reconocidas bienales y exhibiciones, individuales y colectivas, ha ganado su merecido renombre. En esta ocasión es la galería Licenciado quien lo acoge y lo exhibe ante un público, para el cual, hasta ahora era en su mayoría anónimo.
En esta exposición Tomás Ochoa nos trae su más reciente trabajo llamado “Paraíso-Línea Negra”, una asombrosa colección constituida por piezas de gran formato envueltas en un sólido discurso, una gran técnica y mucha experimentación.
PARAÍSO 10
Así, Tomás Ochoa combina el discurso milenario de una tribu que busca preservar su territorio ante los conflictos armados y lo conjuga con la gran ironía que juega la pólvora en ese lugar, un paraíso natural que si no fuera por la guerra que lo acontece estaría completamente civilizado para estos momentos.
De esta forma la obra nos muestra un sendero entre la selva que ha sido preservado únicamente por la incapacidad humana de entablar el diálogo y la colaboración.
PARAÍSO 6
La piezas son ampliaciones de fotografías tomadas a lo largo de la Sierra Nevada en Colombia, siguiendo el andar de lo indígenas Arhuacos, tribu que al igual que los Koguis y Wiwas trazan lo que ancestralmente se conoce como la “Línea Negra” un acto político ante la situación de grupos paramilitares en la zona al igual que un acto poético que busca restablecer el balance natural que ha sido alterado. Las fotografías están ampliadas a través del reemplazo de los pixeles por granos de pólvora que al ser encendidos se fijan a la superficie.
PARAÍSO 8
La exposición estará abierta al público desde febrero 8, hasta finales de marzo en la Galería Licenciado ubicada en la calle Tabasco #216 Col. Roma, Del. Cuauhtémoc.
PARAÍSO 1
Salón ACME NO.5
Por Javier De Alba, Febrero 2017
Salón ACME NO.5
Se acerca Salón ACME una plataforma que en su 5ª edición se consolida como una de los proyectos más importantes para el desarrollo del arte contemporáneo en México, tendrá lugar y fecha del 9 al 12 de febrero en la calle General Prim #30 en la colonia Juárez. El proyecto consta de la exhibición de 77 artistas, 60 como resultado de una convocatoria abierta y 17 artistas provenientes del estado invitado de esta edición, Guanajuato. Salón ACME surge como respuesta a la necesidad de nutrir la escena del arte contemporáneo 100% mexicano.
En esta 5ª edición, el proyecto cuenta con el apoyo curatorial de figuras de gran relevancia dentro del mundo del arte contemporáneo mexicano, entre los nombres más destacados y solo mencionando a algunos se encuentran, Patrick Charpenel – Director de Fundación Jumex Arte Contemporáneo, quienes posen quizá la colección privada de arte contemporáneo más grande del mundo, Julieta Gonzales – Curadora del Museo Rufino Tamayo, Octavio Avendaño – Curador del Museo de Arte Moderno, Moisés Cosío – Cineasta, Coleccionista y fundador de Alumnos 47 y Paula Duarte – Subdirectora del Museo de Arte Carrillo Gil.
Además de la tradicional exposición Salón ACME presenta un programa de charlas y mesas de debate que tendrán como tema “El dinero en el arte”, un tema complejo y de gran controversia presentado por diferentes agentes dentro del ciclo del arte, el artista, el galerista, el coleccionista, el curador, el burócrata, etc.. Cada uno aportando su peculiar visión con relación al tema.
Sumándose al proyecto arranca “La Bodega ACME”, un espacio con una personalidad propia que exhibe obra de ediciones pasadas en un formato que remite a antiguos salones de arte, con piezas sobrepuestas, obras montadas de piso al techo, agrupaciones de objetos y más, también habrá una “Sala de Editoriales” donde se podrán encontrar editoriales especializadas, publicaciones independientes y títulos relacionados al arte, todo bajo el contexto de la producción artística hecha en México.
Salón ACME crea una experiencia de sensibilización al incorporar diferentes elementos que permiten al espectador disfrutar del arte de la manera mas plena, combinando aspectos que van desde un espacio con muy buena música y muy buen mezcal a cargo de Mezcal Unión , hasta la arquitectura del lugar y por supuesto el arte, todo esto crea una atmosfera que sin duda no nos queremos perder.
Salón ACME es el resultado de la colaboración entre Base Proyectos, una asociación conformada por artistas, curadores y gestores culturales y Archipiélago, una empresa dedicada a la cultura que se distingue por su gran calidad y cuidado en los detalles estéticos que dan como resultado un gran deleite para todo su publico y quienes se han dado a conocer por Festivales como Trópico, o lugares como Café Paraíso o Mono (dentro de la CDMX).